Article initialement publié sur le site radio-londres.fr, le 8 février 2017.
La Fresque - Ballet Preljocaj
Le nouveau ballet contemporain d’Angelin Preljocaj, La Fresque,
est actuellement en tournée dans toute la France. Interview de Natalia
Naidich, répétitrice au Ballet Preljocaj, avant une représentation à la
Comédie de Valence.
Depuis quelques mois, Angelin Preljocaj est au cœur de
l’actualité culturelle, avec la sortie de deux nouvelles créations : d’une
part La Fresque, un ballet contemporain actuellement en tournée, d’autre part
l’adaptation cinématographique de la bande-dessinée de Bastien
Vivès, Polina (sortie en novembre 2016), dont
Preljocaj est le réalisateur.
Ce que l’on connaît moins, ce sont les coulisses de cette
compagnie, au Pavillon noir à Aix-en-Provence. Entre création et répétitions,
la vie d’une pièce chorégraphique passe par des étapes essentielles lors desquelles Angelin
Preljocaj est assisté par de nombreuses personnes. Natalia Naidich, une des répétitrices du Ballet Preljocaj, a répondu à mes questions.
A : Comment se sont passées les 1ères représentations à
Aix-en-Provence ?
NN : Les représentations se sont très bien passées.
Il faut savoir qu’Angelin Preljocaj continue à travailler
sur la pièce après la 1ère représentation. En général, la pièce
n’est pas complétement fini le jour de la 1ère, il y a encore des
petites choses à changer.
Il continue même aujourd’hui à affiner les détails, à
travailler avec les danseurs sur cette pièce, mais on peut dire que la
structure et le rythme de la pièce ne vont pas bouger.
A : Vous m’avez dit qu’Angelin avait déjà changé
certaines choses dans la pièce, est-ce que vous en tant que répétitrice vous
avez déjà ressenti le besoin de faire certaines modifications de votre
côté, ou allez-vous toujours dans le sens d’Angelin ?
NN : Les situations peuvent être très
différentes : il y a des situations où Angelin est là et je l’assiste,
donc mon rôle est de l’aider.
Par exemple on fait un filage, on passe la pièce d’un bout à
l’autre, et il me dit des choses qu’il voudrait changer, ou des corrections
pour les danseurs et je les note. Et à la fin du filage, je lui rappelle ce
qu’il m’a dit, on travaille avec les danseurs dans ce sens-là.
Il y a des pièces qui sont dansées des centaines de fois,
donc c’est normal, il y a des petites choses qui se délavent, des rythmes qui
deviennent un petit peu différent, des habitudes des danseurs à ralentir certaines
choses quand c’est trop rapide, ou des gestes qui deviennent un petit peu moins
précis.
Dans ces situations, les répétitrices sont un peu les
gardiennes de ses chorégraphies : notre travail est de revenir, toujours,
à la demande d’Angelin.
A : Pour vous, quels sont les principaux atouts de La
Fresque ?
NN : Je trouve que c’est une pièce d’une grande
sensibilité.
C’est un petit bijou car c’est une pièce assez courte. Les
pièces d’Angelin dure entre 1h30 et 1h45, cette pièce dure 1h20. Je trouve que
le rythme à l’intérieur de la pièce est très juste, ma sensation c’est qu’on en
sort et qu’on se dit « c’était très court ! » ! Il y a des
tableaux très différents les uns des autres, c’est une pièce très riche.
A : Comment s’organise le travail chorégraphique sur un
ballet comme La Fresque ?
NN : La création de La Fresque était
particulière, car on a commencé à la fin de la saison dernière en juin 2016,
après les danseurs ont eu des tournées, puis on a reprit en septembre. On avait
peu de temps, 4-5 semaines, pour finaliser le ballet. C’était un temps assez
concentré, car en général Angelin prend 3 mois, ou 2 mois, là c’était un petit
peu plus court. Il y a eu d’autres choses entre les temps de création, des
tournées ainsi que les vacances, ça a obligé à être plus efficace, car c’était
plus ramassé dans le temps.
A : Participez-vous à l’écriture chorégraphique avec
Angelin en tant qu’assistante?
NN : Non, c’est un travail qu’il fait avec les
danseurs. Ça peut se passer de différentes façons : Angelin peut créer des
phrases et le matériel chorégraphique, parfois c’est les danseurs qui
improvisent et lui prend ces matériaux pour les travailler.
J’ai un regard extérieur, j’essaie d’apprendre physiquement
les mouvements dans l’espace et la musicalité, pour que mon travail avec les
danseurs soit clair.
Pendant la création, il y a aussi des jours où il n’est pas
là, parce qu’il avait d’autres projets à Paris. Mon travail était de clarifier
ce qu’il a fait, puisque les danseurs peuvent avoir des interprétations
différentes. Il faut donc se mettre d’accord pour que tout le monde fasse la
même chose. Les jours de création où Angelin n’était pas là, je faisais surtout
un travail dans les corps des danseurs, dans l’espace, de manière à clarifier
les choses. Quand il revenait, ça donnait une base pour qu’il continue à
travailler.
Natalia Naidich et moi-même ! (Tous droits réservés)
A : Est-ce que la chorégraphie d’Angelin évolue
énormément au cours des répétitions, ou reste-t-elle sensiblement la
même ?
NN : Cela dépend des pièces. Pour La Fresque, ce
sont des petits changements, la structure, les tableaux, le rythme, restent effectivement
les mêmes. Parfois ça va être des détails, des détails rythmiques ou dans les
duos, des petits changements dans le rythme des phrases.
Après il y a des pièces qui ont été modifiées, comme, si je
ne me trompe pas, Retour à Berratham : c’est une pièce qui durait
près de 2h à la création et qui fait 1h30 aujourd’hui, donc qui a été
sensiblement modifiée.
Le rythme n’est pas le même, c’est une pièce qui a gagné
énormément.
A : Vous, Natalia Naidich, quels sont vos relations
avec les danseurs d’une part, avec Angelin Preljocaj d’autre part ?
Devez-vous gérer des tensions, avez-vous le rôle d’intermédiaire ?
NN : Je n’ai pas forcément le rôle d’intermédiaire, je
pense que les danseurs ont une relation assez étroite avec Angelin, la
communication est relativement simple entre eux. Angelin est quelqu’un
d’accessible, il n’y a pas de souci à ce niveau-là. Ils ont même des entretiens
personnels, ils parlent avec lui.
Il faut d’avantage gérer les moments de stress, avant la
première par exemple, ou bien des moments où il faut apaiser certaines choses.
A : Pour revenir sur le travail chorégraphique, comme
arrivez-vous, à partir de notes sur papier à transmettre autant d’informations
corporelles aux danseurs ? Vous dansez avec eux ?
NN : Je ne danse pas forcément avec eux, bien qu’ayant
été danseuse j’ai appris les mouvements. Mais je ne danse plus à leur rythme,
je ne pourrais pas faire ce qu’ils font sur scène !
J’apprends donc physiquement les mouvements et j’essaie de
travailler aussi avec mon corps, c’est hyper important. Après il faut savoir
que chaque chorégraphie d’Angelin est écrite en partition chorégraphique, c’est
comme une partition de musique mais on écrit la danse, en relation à l’espace
et aux mouvements.
Comme cette partition chorégraphique bouge un petit peu
puisqu’il y fait des changements, je la corrige. On va avoir cette pièce
écrite, et il faut savoir que Danny Lévêque, la choréologue du ballet, qui est
responsable d’écrire cette partition, va écrire les demandes d’Angelin.
On peut toujours aller voir cette partition, si on a un
doute. Tout est y écrit !
Même si Angelin utilise des mots pour demander une intention
particulière, ça va apparaître aussi. Donc c’est un outil de travail vraiment
important dans la compagnie.
A : Comment se déroule le quotidien au sein de la
compagnie ?
NN : Une journée type dans la compagnie ? Les
danseurs arrivent à 10h30, ils ont 1h30 d’échauffement tous les jours, avec
différents professeurs invités, de danse classique, ou de contemporain. Puis
entre 12h15 et 18h on fait les répétitions, avec 1h au milieu pour manger de
14h à 15h.
Cependant, la vie dans la compagnie est différente selon les
danseurs. Par exemple, le groupe de La Fresque a passé dernièrement plus
de temps à Aix-en-Provence au Pavillon Noir, puisqu’on était dans un moment de
création, alors que l’autre groupe a passé à la rentrée 2 semaines en
Australie, ils sont partis à Séoul, ils sont actuellement à Bangkok. Pour la
prochaine création, c’est les autres danseurs qui vont sûrement plus voyager,
et les autres qui vont rester.
Le rythme est de toute façon très intense, que ce soit pour
les uns ou pour les autres. Au mois de septembre, on a eu un jour de repos par
semaine, et ceux qui sont partis ont travaillé énormément aussi.
A : Pour résumer votre rôle, peut-on dire que vous êtes
le chef d’orchestre qui fait travailler les interprètes sur une partition
d’Angelin Preljocaj ?
NN : Tout à fait ! C’est une très belle façon de
décrire mon travail !
A : Parlons à présent de votre parcours
personnel : comment la danse puis l’écriture chorégraphique sont-elles
entrées dans votre vie ?
NN : A la base j’étais danseuse, je danse depuis que je
suis toute petite.
Je suis Argentine , j’ai donc appris la danse et dansé
là-bas. Après j’ai fait l’école Béjart en Suisse, puis je suis retournée danser
à Buenos Aires en Argentine. J’étais dans un théâtre à Buenos Aires, et le
directeur de la compagnie connaissait une technique d’écriture chorégraphique,
qui n’était évidemment pas connue en Argentine, et il voulait depuis longtemps
que quelqu’un l’apprenne : l’écriture Benesh, à Paris.
Il m’a demandé si ça m’intéresserait d’aller l’apprendre. C’était
très bien pour moi car j’avais une blessure au genou qui m’avait fragilisée à
ce moment-là et j’avais bien envie de repartir. Je suis venue à Paris faire
cette formation de 4 ans, où j’ai appris la notation Benesh. Effectivement j’ai
continué à danser mais à cause de ce problème à genou, j’ai fait une
reconversion. A partir de 2004 je faisais surtout des partitions
chorégraphiques pour différents chorégraphes, français ou étrangers.
Et en 2011, j’ai su qu’Angelin Preljocaj cherchait un
assistant, et comme la partition chorégraphique est un outil très important
dans la compagnie, il voulait que ce soit quelqu’un qui sache lire et écrire la
notation Benesh, en plus de savoir bouger évidemment ! Par exemple, une
des épreuves pour avoir ce poste c’était d’enseigner : ils m’ont donné un
bout de partition, et en 1h j’ai du la lire puis enseigner ce que j’ai lu sur
cette partition que je ne connaissais pas du tout. Il faut donc savoir
transmettre, savoir s’exprimer physiquement aussi. C’est comme ça que je suis
entrée dans la compagnie en tant qu’assistante.
A : C’est la fin de cette interview, merci
beaucoup !
NN : Merci à vous ! Je tiens à remercier le Ballet
Preljocaj d’avoir rendu possible cette entrevue, ainsi que Natalia
Naidich pour sa disponibilité chaleureuse.
« à ceux qui n’attendent pas que je tombe pour me relever » p.0
Shorba, l'appel de la révolte - Gaspard FLAMANT Éditions Sarbacane (Exprim') - Service de presse 15,50 Euros
Depuis qu'on a abandonné le lycée, il
nous reste pas grand-chose, à part le pied des tours. Nous, c'est mes deux
potes et moi, Shorba. Mais on a rencontré Léo... et tout a changé.
A travers l'histoire d'un éveil civique et celui du jeune Shorba, qui découvre
l'urgence de l'action citoyenne, de la solidarité envers les réfugiés et plus
largement, le sens profond du mot "révolte", ce roman résonne
fortement avec les valeurs de respect des droits humains que défend Amnesty
International.
Shorba, l'appel de la révolte, est un réel tourbillon : roman sur les
réfugiés, l’extrême gauche, l’émancipation, le refus d'une société capitaliste,
sur les squats (dans une usine désaffectée et dans des maisons de riches), les
combats pour la liberté individuelle et collective, l’aide, la résistance, la
prison. C'est également un roman sur la vie dans les cités, comment s’en sortir
sans tomber dans les trafics de drogues, comment avoir accès au savoir et à la
culture. C'est un récit initiatique, poignant, poétique, fort. Il s'organise au
travers de deux personnages : le Guide, Léo, figure inspirante et foisonnante,
et son apprenti, Shorba : un schéma classique mais efficace, ce
"couple" étant attachant, dynamique et contrasté. Deux personnages
principaux, mais c'est tout un monde que nous découvrons entre les pages de ce
livre.
« Léo sait que pour obtenir un
peu, il faut demander beaucoup. » p.200
Livre révolté, qui transmet l’envie de se rebeller à son tour. Faire changer
les choses, apporter son aide… L’aide vitale, primaire, comme donner un toit,
est un acte militant : mais pourquoi rencontre-t-on tant de difficultés à
accueillir et secourir ? Cet ouvrage est ancré dans l’actualité, dans ce qui nous pousse à
l’écœurement mais pas assez souvent à l’action ... Ici, l'auteur portraite des
personnes mettant leur vie en danger pour servir et honorer ces causes
nécessaires.
Porté par une écriture fluide et active, Shorba est un roman qui donne
l'envie et le courage de se battre, tout en remplissant avec talent ses fonctions
de divertissement éducatif : une éducation à la révolte. De l’activisme pour toutes et tous, l’action pour la révolution !
Les rédactrices du site NAARI - Parce que nous sommes des femmes, blog consacré à la représentation des femmes dans la publicité et dans la communication en général, ont écrit un article sur le court-métrage "Hé Mademoiselle" des étudiants de l'ESMA.
Cela m'a rappelé mon épreuve d'Histoire Des Arts pour le brevet des collèges, où j'avais également analysé ce court-métrage.
J'ai donc souhaité partager avec vous, lecteurs de ce blog, lecteurs du site NAARI, et ceux qui sont intéressés par ce sujet, le travail que j'ai réalisé il y a 2 ans !
Mon dossier pour l'épreuve d'Histoire Des Arts (Brevet des Collèges 2016) :
Introduction :
Titre : Hé Mademoiselle (Le titre renvoie à une interjection synonyme
de harcèlement de rue.)
Genre : film d’animation musical
Durée : 5 minutes
Réalisation : dans le cadre d’un
projet de fin d’étude à l’ESMA (Ecole Supérieure des Métiers Artistiques, à Toulouse)
, par 5 étudiants : Claire Bataille, Victor Dulon, Pierre Herzig, Gael
Lang, Léa Parker, en 2015.
La réalisation de ce court-métrage a demandé
12 mois de travail à l’équipe.
Domaine : art du visuel.
Thématique : Art, création,
culture
Prix : Il a remporté le grand prix
du jury du festival étudiant Polycule de Bruxelles, il a également été
sélectionné au festival de courts-métrages et nouveaux talents Cinemator de
Carros et retenu pour le Multivision film festival de Saint-Pétersboug.
Situer l’oeuvre dans son contexte
historique
Le
thème du harcèlement de rue touchait et intéressait beaucoup l’équipe de ce court-métrage,
qui a souhaité sensibiliser le grand public à ce sujet méconnu. En cinq
minutes, ce dessin animé explore tous les archétypes du harcèlement de rue et
toutes les formes qu’il peut prendre, mais va plus loin encore en interrogeant
plus globalement sur la place de la femme dans la société.
Le
but de l’équipe était de ne pas tomber dans le politiquement correct, et donc
d’être dans l’émotionnel, le viscéral, quitte à provoquer des réactions parfois
virulentes du côté du public.
Réactions du public : En effet, les
réactions des internautes ont été violentes. Ils ont reproché à l’équipe un
manque de nuance, un manque de mixité entre les personnages, et la mise en
scène d’un personnage féminin qui ne représenterait pas toutes les femmes. Mais
l’équipe du film se réjouit de ces réactions, car cela leur prouve qu’ils n’ont
pas réalisé un court-métrage tiède, mais virulent et polémique. Léa Parker
explique que c’est le meilleur moyen de faire parler de ce sujet.
Son message : L’objectif de ce
court-métrage est de dénoncer et de sensibiliser à ce genre de comportement, qui
constitue une pratique courante et pas uniquement dans la rue, puisque selon le
rapport de 2015 du Haut conseil à l’égalité entre les femmes et les hommes, 100
% des femmes se sont déjà faites harceler dans les transports.
Le
message de ce film est aussi de parler du sexisme et de la place de la femme
dans notre société.
L’idée
de base de ce court-métrage est de créer un contraste pour alléger le propos et
pour illustrer la différence de perception de ce phénomène entre ceux qui en
sont victimes et ceux qui ne le subissent pas.
Dans
mon développement, je vais tenter de répondre à la problématique suivante:
Comment
le traitement du harcèlement de rue dans ce court-métrage renvoie-t-il plus
globalement à une réflexion sur la place de la femme dans la société ?
Forme
Pour
traiter ce sujet, les étudiants ont choisi la forme de la comédie musicale et
l’humour, afin de « l’enrober et de le colorer », explique Victor
Dulon, le réalisateur. Leur objectif n’était pas d’être donneur de leçon, ils
voulaient décaler ce sujet afin d’alerter sur ce problème et de lui apporter de
la légèreté.
Les réflexions dans ce court-métrage sont tirés de
l’expérience personnelle des réalisateurs, mais aussi des témoignages des femmes
que l’on peut trouver dans des sites comme Harcèlement de rue (http://harcelementderue.tumblr.com/)
ou encore Paye ta schneck (http://payetashnek.tumblr.com/).
La vision que ce court-métrage donne des potentiels
harceleurs de rue, des hommes blancs, bien habillés, en gêne certains mais
c’est une réalité que l’équipe a voulu montrer : des fils de bonne famille
ont aussi ce comportement.
Le dessin en 3D est semblable à celui des dessins animés
comme les Disney, les Pixar. C’est un dessin doux et coloré, les personnages
ont des grands yeux, ils sont lisses, et cela s’apparente aux contes de fées.
Il y a donc un réel décalage entre l’ambiance qu’instaure le dessin, et
l’intrigue de ce court-métrage, à savoir le harcèlement de rue, un sujet
sensible et violent.
Le personnage principal, la jeune femme Zoé, est habillée en
jupe patineuse jaune, une ceinture rouge et un débardeur blanc. Elle est grande
et fine. Son physique correspond à celui des princesses Disney, mais elle a des
cheveux courts et roux, ce qui est rare et ce qui ne correspond pas aux diktats
de la société.
La musique est du style jazz, avec beaucoup de cuivres.
On
remarque que les paroles sont sous-titrées en anglais, afin de toucher un
public le plus large possible.
Presque tous les dialogues sont chantés, et il y a beaucoup
de mouvements chorégraphiés et de danses : faisant ainsi penser aux
comédies musicales joyeuses, et tranchant avec l’histoire racontée. En effet,
les hommes qui abordent de manière explicite Zoé sont lourds mais le fait
qu’ils le fassent en chantant crée un décalage.
Description :
L’extrait
que je vais vous présenter du court-métrage Hé Mademoiselle se situe à 2min38.
2min38 à 2min 44 : tous les hommes
qui ont harcelé Zoé précédemment se regroupent en bande pour tenter de la
convaincre d’accepter leurs avances. Elle est de dos et se recule au fur et à
mesure qu’ils avancent.
2 min 44 à 3min : Zoé se retourne
et part d’un pas décidé. Les harceleurs dansent comme les Jets et les Sharks
dans West side story , en même temps, avec des mouvements précis et en
claquant des doigts.
La
caméra passe de la chorégraphie des garçons à Zoé en faisant un gros plan sur
le postérieur de cette dernière : j’imagine que c’est pour montrer l’objet
principal de la convoitise des hommes.
Les
personnages sont dans une rue petite, sombre : les chances qu’a Zoé
d’échapper à ses harceleurs s’amenuisent. De plus, la musique devient
angoissante : on comprend que quelque chose de violent va se passer.
Il y
a ensuite un plan d’ensemble pris du ciel : on voit Zoé se séparer
définitivement du groupe d’hommes en passant de l’autre côté d’une arche
habitée. On voit très nettement les hommes continuer leur danse en formation en
V, quasiment militaire: ils sont donc très organisés et unis, tandis que Zoé
est seule (disproportion des forces en présence, et crainte du pire).
3min à 3min 27 : Zoé, qui s’était
plaquée contre un mur, voit passer devant elle le groupe d’hommes. On remarque
qu’au moment où ils disparaissent et où elle peut enfin respirer, la luminosité
change et devient plus claire. Toute l’image change d’ambiance lorsque le
danger principal s’écarte. Mais elle est embêtée et agressée même par un chien
qui est au départ très mignon : elle le balance d’un coup de pied, et ce
geste marque le début d’une nouvelle partie.
3min 27 à 4min 40:
La caméra
effectue un 360° autour de Zoé, ce mouvement commence face à l’héroïne pour se
mettre derrière elle. Même si Zoé est toujours seule, le fait qu’elle soit au
premier plan la place en figure de domination face aux hommes, qui paraissent
tout petits sur cette grande place, pris au piège.
Au craquement
de main de Zoé (d’habitude « réservé » aux hommes), la nuit tombe et
des lumières s’allument sur les immeubles : c’est l’instauration d’un
climat de vengeance.
Les
hommes se livrent à une chorégraphie qui n’a rien de doux et de romantique
comme avant ; c’est tribal et fort. Tout en réalisant des sauts légers, presque
des pas de danse classique, Zoé met à terre tous ses agresseurs. Il y a ensuite
un gros plan sur le chien se cachant les yeux, horrifié par les bruits de
combats en fond. Le combat se termine par le coup fatal de Zoé dans les parties
intimes d’un des harceleurs, puis il y a un noir et un arrêt de la musique qui
pourraient signer la fin de la vidéo.
Finalement,
Zoé rentre chez elle, il fait jour à nouveau: on remarque dans le salon son
compagnon, qui lui demande comment s’est passée sa journée. Avec nonchalance (feinte
ou pas), elle lui répond « Oh, la routine » : soit elle ne
souhaite pas lui dire ce qu’il s’est passé, soit ses agressions n’ont pas tant
d’importance que ça car c’est réellement son quotidien. Dans les deux cas,
c’est assez alarmant sur ce que vivent les femmes et sur le caractère courant
du harcèlement de rue.
En
outre, la dernière réplique est très représentative de la place de la femme de
la société : « Chérie, quand est-ce qu’on mange ? ». On
peut qualifier cette remarque d’indirectement sexiste : elle ramène la
femme à un unique rôle de nourricière, comme si son compagnon était un enfant.
Conclusion
Le
traitement du harcèlement de rue dans ce court-métrage renvoie plus globalement
à une réflexion sur la place de la femme dans la société pour plusieurs
raisons :
La
femme est tout d’abord réduite à un objet de convoitise sexuelle qui n’a pas
droit de refuser des avances, puis elle est représentée comme une femme qui
prend sa revanche et sait mettre à terre plusieurs hommes, comme une battante
qui ne laisse pas la peur prendre le pas sur ses droits.
Les
hommes, eux, sont représentés tour à tour comme des adultes immatures et comme
des enfants incapables de se prendre en main, dépendants des femmes et indécis,
que ce soit à la maison ou dans la rue où ils n’hésitent pas à arrêter toute
activité, voire à quitter leur épouse pour faire des avances à une jeune femme.
Ce
court-métrage évoque donc de multiples réalités quant à la place de la femme
dans la société, mais il ne donne pas à la femme l’image d’une victime, plutôt
celle d’une personne qui a autant de pouvoirs qu’un homme, même si elle doit se
battre pour s’imposer.
Pourtant,
en France et en 2016, les hommes perçoivent en moyenne un salaire supérieur de
23, 5 % à celui des femmes, et les femmes passent 2 fois plus de temps que les
hommes à faire le ménage et à s’occuper des enfants à la maison selon l’INSEE.
De
plus, il s’agit évidemment d’une œuvre engagée car le spectateur est interpellé
par le comportement du compagnon de Zoé à la fin : après avoir mis à terre
4 hommes : que va-t-elle bien pouvoir lui répondre ?
Ce
court-métrage me plaît énormément pour tous les messages sur la femme qu’il
véhicule, et pour l’actualité de ces propos.
Faire un
rapprochement avec une autre œuvre
En novembre 2015, une campagne de lutte contre le
harcèlement des femmes dans les transports est mise en place dans les métros et
gares. Cette campagne se nomme « Stop, ça suffit » : le
gouvernement veut freiner le harcèlement des femmes.
Merida, dans Rebelle en 2012
C’est
une princesse Disney qui refuse le destin qu’on lui impose : elle brise
tous les codes de la princesse parfaite : cheveux bouclés et roux,
sportive. La symbolique de la robe qui craque est forte car la robe représente
le carcan des princesses, ainsi que la blessure faite à la joue par sa dernière
flèche, qui symbolise les sacrifices qu’elle doit faire pour décider seule de
son destin.
Merida
ne veut pas du prince charmant et s’oppose à sa mère. Elle veut prendre sa
propre main pour ne pas avoir à obéir aux diktats que lui imposent ses parents.
Elle
se libère de son futur, et établit son propre ordre contre l’ordre établi.
Mais
il n’y a pas seulement les artistes qui s’engagent contre le sexisme, il y a
aussi les politiques, comme le prouve cette récente lettre de 17 anciennes
ministres, harcelées sexuellement sur le lieu de leur travail.
L’appel
a été signé le 14 mai 2016 par Roselyne Bachelot, Michelle Demessine, Cécile
Duflot, Elisabeth Guigou, Aurélie Filippetti, Chantal Jouanno, Nathalie
Kosciusko-Morizet, Christine Lagarde, Marylise Lebranchu, Corinne Lepage,
Monique Pelletier, Fleur Pellerin, Valérie Pécresse, Yvette Roudy, Catherine
Trautmann, Dominique Voynet, Rama Yade.
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Rédigé par Antonia T., tous droits réservés.
Merci de me contacter par mail etincellesdeplume[at]gmail.com et de me créditer si vous utilisez mon travail.
Caroline Guiela Nguyen,
metteuse en scène et auteure, a dit dans une interview : « Il n’y a
aucune raison de faire des spectacles, par contre il y a une nécessité à en
faire, cette nécessité c’est à nous de l’inventer. ».
C’est exactement ce
que j’ai ressenti en sortant des séances de 120BPM : une urgence de
raconter ce combat contre le sida, de transmettre cette histoire, de la confier
avec brutalité et beauté aux nouvelles générations qui n’ont pas connu le début
de l’épidémie. Passer le flambeau du militantisme pour comprendre ce qui a été
fait, comprendre que quel que soit ce que nous voulons, rien n’est gagné et
tout reste à faire. Parlez, agissez, faites de la place à vos convictions et à
vos raisons d’être debout, présents, toujours…
On sort de ce film abasourdi. A terre. Sourd. Il faut du
temps pour se sortir de ces personnages, de cette histoire qui nous a
totalement happés pendant quelques heures intenses. Les moments où l’on prend
de la hauteur et de la distance avec les actions, les scènes de groupe lors des
réunions ou sur les scènes très intimes sont rares, quasiment inexistantes.
Nous sommes le groupe, nous dansons au rythme de la house
music, les poches de faux sang jetés lors des ZAP nous frôlent, nous sommes
assis avec les militants lors des réunions, à débattre avec fougue et hargne,
et quand les corps s’aiment, renaissent de leur douleur et de la dureté de la
vie, pour une nuit ou quelques minutes, nous sommes encore là, tout près, tapi(e)
dans l’ombre.
C’est un cinéma du corps, physique et jamais au repos. La
caméra capture les paroles et leur donnent forme, les plans rapprochés nous
montrent à la fois la réalité de la maladie, mais aussi et surtout la fureur de
vivre qui les animent tous, quel que soit leur profil sérologique.
« Tous », « eux », ce sont les militants
d’Act Up Paris, les principaux personnages de ce film. Certes, un zoom est
réalisé sur les vies personnelles de Sean et Nathan ; cependant le
collectif est présent tout au long du film. La force incroyable qui jaillit de
ce film, qui se jette en pleine gueule des spectateurs, résulte de cette
fresque dépeinte, des énergies folles qui circulent entre les acteurs et leurs
personnages, inspirés des réels militants d’Act Up dans les années 90. Robin Campillo, le réalisateur, était
alors lui-même membre d’Act Up. La ferveur communicative et l’électricité
joyeusement dingue de cette histoire n’empêchent pas les larmes de couler. A la
fin de la séance, au générique, la tension est à son apogée dans la salle.
Une
fois dehors, on ne sait si on peut enfin se relâcher, car un sentiment étrange
nous sert, une boule se forme dans nos tripes. Un besoin vital…
Celui de rejoindre ce combat, de s’engager, d’agir, de vivre
pleinement et d’informer nos proches, nos amis. Conseiller ce film, bien sûr,
le revoir, seul(e) ou entouré(e), mille fois !
Entrer dans la danse,
entrer en résistance, pour la nécessité de vivre, d’aimer, de se battre, de
militer. Agir pour ne pas mourir, car ACTION = VIE !
Une couverture et un résumé qu’on pourrait qualifier de girly si l’on en croit les couleurs et
le graphisme, tout comme la traduction (ou plutôt modification !) du titre
original (Shuffle, repeat devient Tout pour se déplaire) qui
révèle beaucoup du public ciblé : des jeunes filles, qui aiment les
romances des lycées américains, avec des garçons qui conduisent d’énormes
voitures et des filles pas assez populaires pour être acceptées parmi les
pom-pom girls parfaites (et un peu pestes…), un meilleur ami gay, les
excellentes universités qu’il faut intégrer…
Un univers vu et revu sous tous les angles par de multiples
films, séries télévisées et romans. Des codes d’accroches tièdes pour un
lectorat restreint et sans une once d’originalité.
Je pensais donc lire un roman sans saveur, qui minaude des
niaiseries…
Il me faut bien reconnaître que je me suis trompée (pas sur
toute la ligne cependant) : l’intrigue ciselée et bien agencée de Jen
Klein a rendu cette lecture agréable et prenante !
En effet, l’écrivaine Jen Klein est également scénariste
pour la télé, et cela se ressent dans ce roman. Les chapitres sont découpés en
scènes, comme au cinéma : j’avais l’impression de voir défiler et
s’enchaîner les différentes situations, avec fluidité et naturel. Son
écriture revêt indéniablement un caractère cinématographique. Les situations
sont décrites tels des mouvements de caméra, et les dialogues passent de
l’humour aux émotions avec justesse.
Concernant le scénario, nous suivons les tribulations de
June, une lycéenne qui est persuadée qui rien ne compte avant l’université, qui
rejette en bloc les traditions de farces et autres bals ou matchs du lycée.
Mais sa vision du monde et des personnes qui l’entourent va changer
progressivement grâce à sa rencontre avec Oliver, un ami d’enfance perdu de vue
depuis qu’il fait parti des plus populaires.
Avec originalité,
tact et amour, ce roman apporte une belle réflexion sur les idées préconçues et
sur l’image que l’on renvoie aux autres, une carapace qui ne reflète pas
nécessairement la réalité…
Anna Breslaw signe ici son premier roman. Elle donne la
parole à Scarlett, une jeune lycéenne américaine, qui vit à travers sa série
préférée et le forum qui lui est consacré. Sa vie sociale se résume à ses
amis, Avery et Gideon, une voisine de soixante-dix ans qui fume des joints
et jardine, ainsi que des rencontres virtuelles sur le forum. Quand Gideon
change brutalement de comportement à son égard, Scarlett se réfugie dans
l’écriture d’une fiction mêlant robots et camarades de lycée. Une façon comme
une autre de partager ses sentiments et de mettre en scène son quotidien ;
mais aussi comprendre qui elle est, et les raisons qui la poussent à agir
ainsi.
L’acte d’écrire est mis en abyme dans ce roman. Les
chapitres sur la vraie vie de Scarlett alternent avec les chapitres de sa
fiction, un réel défouloir ! Cette adolescente n’a pas une existence
facile, et encore une fois, l’appartenance à un groupe social prend beaucoup de
place. Le gouffre qui sépare les vies de ses parents divorcés, ou encore le
gouffre qui se forme entre les fréquentations de Gideon et de Scarlett, vont
influencer nombre des situations dans lesquelles va se retrouver Scarlett, héroïne
attachante, drôle et émouvante.
Ses états d’âmes, ses
fragilités et sa force façonnent cette chronique dense d’une adolescence en
construction.
Des romans frais et
léger de la belle collection Scripto, qui permettent de s’échapper de son
quotidien et de partager des tranches de vies tourmentées et
réjouissantes !
